Octava semana

Creo que ya hemos tocado fondo.
Así de sencillo. El profesor ha comenzado la clase diciendo que no estamos aquí para copiar cuadros si no para crear espacios habitables y tridimensionales. Que la importancia de las imágenes estaba en el proceso, no en la imagen final. Acto seguido nos ha repartido unas fotocopias y nos a explicado el trabajo de esta semana: copiar esa imagen. Entonces, ¿donde queda el proceso si a lo que le acaba de dar importancia es a la imagen?
Incluso para facilitarnos la tarea ha marcado él mismo las lineas imprescindibles en torno a las que se desarrollan las figuras.
Lo que teníamos que hacer era calcar esas lineas y comenzar a creas esas masas claras y oscuras que poco a poco tenían que ir cogiendo forma para terminar transformándose en figuras, polígonos, sombras. Todo de un modo transparente, piezas que pasan por delante unas de otras creando un espacio en tres dimensiones.Teníamos que crear esa tensión entre las esquinas y diferenciar claramente las partes donde dominaba el negro de las partes claras.
No puedo decir nada más ya que no hemos hecho nada más. Solo nos hemos dedicado a copiar.
La semana pasada esperaba que esta semana no continuáramos en ese plan pero por lo que veo es a lo que creo que vamos a dedicar el resto de las clases a partir de ahora. Seremos meras fotocopiadoras.
Me gustaría que el planteamiento de la clase volviese a ser lo que era y lo que dicen que es, pero que se ha convertido en todo lo contrario.
Por eso no creo ni que deba comentar esta imagen (que a mi me ha gustado bastante) ya que debería copiar la critica de algún libro de arte.
En definitiva estos son los resultados de las dos pinturas que hemos trabajado estos dos días:




"Un error no se convierte en verdad por el hecho de que todo el mundo crea en él."
Mahatma Gandhi 

Séptima semana


Supongo que estaré aprendiendo muchas cosas en estas clases pero mientras pintas e intentas copiar esas obras, por mucho que no quieras comienzas a pensar y a pensar, te metes en tu mundo y sin quererlo tu mundo se mete en la pintura. Eso es lo que creo que les ocurrió a los autores que estamos trabajando, ellos intentaban conseguir un sentimiento en el observador, una sensación que le sacara de la rutina, simplemente algo pero mientras que trabajaban en ello su vida, sus preocupaciones, en definitiva su subconsciente se metía a escondidas en las pinturas. Creo que eso es lo que diferencia esencialmente a un artista del resto del mundo: transmitir una sensación. Pero todos estos artistas pintaban con la única presión de hacer algo que les gustase a ellos, no tenían que ganar ningún premio, simplemente deshacerse de un sentimiento que nos les dejaba ver con claridad.


Creo que no se debe pasar el trapo sobre nada, no hay que destruir lo ya construido.
 Esta semana me he decepcionado un poco ya que vuelvo a pensar que simplemente estamos copiando cuadros. Esta idea que tanto me asustaba la reafirmó el profesor al "obligarnos" o mandarnos sacar las lineas principales de la obra para copiarla. Creo que ahí comenzó a decaer la cosa... Espero que la semana que viene hagamos cosas mas artísticas y variadas, no simplemente copiar este cuadro que llevamos trabajando ya bastante tiempo. Ya sé que no quedó muy claro el método que sigue el autor ni el proceso de construcción de esta imagen, pero tal vez sea porque como es arte abstracto (categoría que han establecido los que saben del tema como: acentuación de las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural; rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista) Como en la definición se indica, no hay método, simplemente esa intención de la que hablaba antes, crear sensaciones, no seguir ningún modelo establecido. No deberíamos buscarle tres pies al gato.

Quien tropieza y no cae, dos pasos avanza.

Sexta semana

Esta semana hemos vuelto a comenzar recordando para que estamos ahí: para terminar creando figuras habitables y envolventes. Tenemos que aprender desde lo más básico y saber que hacemos para poder ser nosotros mismos los que nos critiquemos. 
¿Porqué un arquitecto dibuja? Simplemente porque es un lenguaje, un modo de expresar nuestras ideas de la forma más precisa posible y a la vez tantear la figura sin tener que llevarla a la construcción directamente. Pero entonces, ¿porqué la pintura como método de aprendizaje?¿Porqué utilizamos pintores de arte abstracto como ejemplo? Burgaleta nos preguntó si estamos sorprendidos por eso. La verdad es que un poco.
Nos explicó que había varias razones que excusaban ese método, una partiendo de la historia. 
Desde que Luis XVI fundó la Academia de Bellas Artes para que la produccion artistica fuera de una mejor calidad, la arquitectura se incluyó entre esas disciplinas, no como se hacia hasta entonces, siendo transmitida de boca a boca entre los arquitectos pertenecientes a un mismo gremio.
Por eso nosotros somos herederos de esa tradición, la arquitectura se convierte así en un arte abstracto, ya que no es un arte para ser visto si no para ser vivido, tiene que ser una experiencia de "envolvencia". Mientras tanto la pintura y la escultura siguen, como hasta entonces, siendo artes figurativas. 
Pero a principios del siglo XX la pintura y escultura comienzan a abstraerse. Por eso hoy, en nuestras clases, podemos utilizarlas para conseguir nuestro objetivo.
Entonces comenzamos viendo obras de Cézanne y Kandinsky. Finalmente nos centramos en las pinturas de la portuguesa Helena Vieira da Silva.
Con ella comprobamos lo que es un arte no-figurativo, donde la importancia no está  en la figura si no en el proceso, el lenguaje de la pintura. Así durante la clase destacamos rasgos como la misma dirección de todos sus trazos, algunas regiones que se distinguían por tener el mismo trazo, lo que provocaba que el cuadro se dividiera en varias zonas similares, de igual trazo y color, que se agrupaban formando la imagen completa.
Así conseguimos varias interpretaciones de ese estilo, como por ejemplo en mi caso estas pinturas que se muestras por aquí arriba.
Trabajando a Helena hemos aprendido que una obra de arte es un espacio-tiempo, es una relación muy difícil de conseguir ya que implica pausar y detener ese tiempo a nuestro antojo y a nuestra necesidad para ver en su totalidad ese espacio que estamos creando. No debemos tener prisa ya que cada trazo cuenta. En palabras de Burgaleta: es como crear un universo.
El viernes trabajamos durante toda la clase a Kandinsky. En mi caso solo realicé una pintura ya que no conseguía encontrar los matices característicos de este pintor, definido por nuestro profesor como el padre de este tipo de pinturas. Con este pintor se aprecia bastante bien las unidades básicas del lenguaje de la pintura : el punto, la linea y la superficie. Además, en la pintura que trabajamos en clase destaca la intensidad con la que entran en dialogo las lineas oscuras y el color (cosa que en mi opinión no conseguí transmitir).


"El tiempo es el mejor autor: siempre 
encuentra un final perfecto."
Charles Chaplin



Quinta semana

Este jueves, después de sentarnos delante del proyector dispuestos a absorber un nuevo estilo, todos guardamos silencio. "Debéis recordar que la finalidad de este curso es enseñaros a crear figuras tridimensionales habitables y envolventes. Por eso esta semana reflexionaremos y practicaremos partiendo de figuras planas, hasta que consigamos formar una tridimensional."

Entonces comenzamos viendo de una forma general una serie de imágenes y pinturas de diferentes artistas donde predominaban las formas básicas, ya no tanto nubes y masas de color.

Nos explicaron la relación que existía entre el fondo y la figura en esas pintras: las primeras imágenes se basaban en pinceladas poco uniformes sobre un fondo, todo continuo intentando no dejar ni un hueco libre. Continuaban pasando las imágenes y las pinceladas se iban agrupando cada vez más, creando unos grumos que iban llenando ese espacio, cada vez se iban organizando más, pero de momento no había figura, los autores intentaban tantear con gestos, creando imágenes que ocuparan ese fondo.
En las siguientes imagenes aparecen unidades de espacio, sin ser aun figuras como tales, aunque las lineas de borde se van acentuando y haciendo cada vez más fuertes.
Con las últimas figuras el profesor saca una conclusión: "Producir figuras consiste en radicalizar las diferencias."
"El artista mueve de forma distinta el cuerpo, no es domado por la sociedad. Al igual que un torero en el ruedo no se mueve igual que si fuera agarrado a la barra del Metro, el arquitecto tiene que deformar su cuerpo hasta que el hecho de dibujar se parezca al hecho de acariciar. Hay que tener tacto, sensibilidad y delicadeza con el papel. Tenéis que afeminaros ya que dibujar es un ejercicio donde cada acción es importante." 

Con estas palabras Burgaleta nos recordaba la primera clase del curso ya que se notaba bastante que habíamos olvidado todo eso.


En la segunda clase continuamos con el mismo método de trabajo aunque esta vez teníamos que crear figuras, como las últimas imágenes que nos mostraron. Para ello nos proyectaron unos cuadros de Pollock ya que representaba bastante bien el trabajo que debíamos hacer: debíamos imitar el expresionismo abstracto, enfrentar lo háptico frente a lo óptico. Todos comenzamos a rasgar el papel y esta vez si: comenzamos a crear figuras.

"El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar."
 J.Pollock





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Cuarta semana

    Esta semana hemos continuado trabajando a Zobel. Íbamos a trabajar un nuevo pintor pero el material que los profesores tenían preparado no funcionaba en el ordenador. Aun así nos pusimos a comentar la parte de la obra de este pintor que sin ese fallo de las nuevas tecnologías habríamos pasado por alto.
Había mucho que mejorar, mucho que averiguar y sacar de sus pinturas. Y entonces nos asomamos a ese gran abismo: "¿Qué creéis que sentía Zobel cuando pinto esto?"
Silencio.
    Suponíamos que era subjetivo, que cada alumno interpretaba el cuadro de una manera. Pero cuando fuimos dando ideas como "rabia, excitación, agitación" todos supimos que aquella imagen nos hacia sentir lo mismo. Eso que Zobel quería transmitir.
Fue entonces cuando nos hicieron ver el mayor error que habíamos cometido hasta entonces: había que meterse en la piel del autor, no simplemente interpretar su estilo. Su estilo había salido de un sentimiento y teníamos que experimentarlo para luego expresarlo. Teníamos que empatizar con el artista. Preguntarnos el porqué.
    Así, concluida la lección y todos en silencio nos fuimos a nuestros caballetes a intentar expresar ese "algo".
    Mientras yo colocaba mis papeles miré al resto de la clase: la gran mayoría tenía los brazos cruzados y miraba su caballete en silencio, solo se oía el ruido de las ideas y de los primeros carboncillos rasgando la nada.